La période médiévale a également vu l’utilisation de la couleur rouge dans les manuscrits enluminés, les vitraux et l’art religieux. Des lois somptuaires réglementaient souvent l’usage de certaines couleurs, les réservant à des classes sociales ou à des fonctions spécifiques.

Des alternatives synthétiques ont commencé à apparaître dès le XIIe siècle, et au XVe siècle, un nouveau rouge s’impose progressivement. Le carmin, avec ses tons cramoisis profonds, apparaît dans les palettes de Rembrandt, Vermeer, Rubens et Velázquez. Obtenu à partir de cochenilles, séchées et broyées, il produisait une teinte rouge éclatante.

Au cours de ces siècles, les peintres maîtrisaient les bases de la chimie et des sciences autant que celles de l’art. Ils expérimentaient de nouvelles idées de manière comparable aux scientifiques dans leurs laboratoires. L’artiste flamand Jan van Eyck est connu pour avoir développé une nouvelle méthode de fabrication des pigments pour la peinture. Au lieu d’utiliser la tempera à l’œuf comme liant, il introduisit l’usage de l’huile, donnant naissance à la peinture à l’huile. Cette nouvelle technique fut rapidement adoptée par ses contemporains. Son utilisation innovante de la peinture à l’huile et son attention aux détails influencèrent de nombreux artistes, aux Pays-Bas comme dans toute l’Europe, notamment en Italie. Ses œuvres ont eu un impact profond sur la Renaissance du Nord.

Le « Portrait d’un homme » de Jan van Eyck (présenté à gauche) est l’un des exemples les plus célèbres de l’utilisation du rouge. Réalisé vers 1433, ce tableau à l’huile se distingue par son extraordinaire précision, son usage de la lumière et ses techniques novatrices. Dans la hiérarchie des tissus colorés, il accordait au rouge écarlate une place élevée. Giorgio Vasari écrivait au début du XVIIe siècle que Jan van Eyck avait découvert le « secret » de la peinture à l’huile.

En 1521, Albrecht Dürer réalisa l’œuvre « Saint Jérôme » (présentée à la page suivante) pour un marchand portugais, Rodrigo Fernandes. Cette peinture incarne les idéaux humanistes de la Renaissance, mêlant savoir classique et spiritualité chrétienne. Elle célèbre la rigueur intellectuelle et la piété de saint Jérôme, présenté comme un modèle de dévotion érudite et de réflexion spirituelle. Le contraste marqué entre le fond vert et le vêtement rouge crée un cadre qui met en valeur les effets de lumière et la matérialité picturale des carnations vieillissantes. La présence, au premier plan, de livres et d’un crâne permet à l’artiste d’introduire un caractère de « memento mori » ou de « vanité », un thème étroitement lié à la pensée d’Érasme de Rotterdam.

Les peintures d’Albrecht Dürer mettent en valeur la beauté des paysages naturels, représentés avec une précision et une attention remarquables, souvent sans sujet spécifique ni thème religieux. Dürer fut également l’un des premiers artistes à utiliser l’aquarelle dans son sens moderne. Une autre innovation majeure fut introduite à la même époque par Johann Gutenberg, qui développa les caractères mobiles en bois, précurseurs de l’imprimerie.

Le tableau Saint Jérôme écrivant de Caravage utilise magistralement la couleur, en particulier le rouge. La robe ocre rouge s’enroule autour de saint Jérôme, créant un mouvement qui attire le regard vers le centre, en contraste avec les rouges plus clairs du visage et des mains. L’usage du clair-obscur (lumière-obscurité) par Caravage confère à l’œuvre une qualité dramatique et presque cinématographique.

Martin Luther fut la figure centrale de la Réforme protestante, qui débuta le 31 octobre 1517 avec la publication de ses Quatre-vingt-quinze thèses. En 1521, Luther fut excommunié par le pape Léon X et condamné par le Saint-Empire romain germanique lors de la Diète de Worms, interdisant aux citoyens de défendre ses idées. Malgré son statut de hors-la-loi, Luther survécut grâce à la protection de Frédéric le Sage, électeur de Saxe, qui le mit en sécurité durant les premières années de la Réforme.

En Suisse, la Réforme protestante prit de l’ampleur dans les années 1520 sous l’impulsion de Huldrych Zwingli. Après sa rencontre avec Luther lors du colloque de Marbourg en 1529, Zwingli se concentra sur la prédestination, publiant ensuite son sermon sous le titre De providentia (De la Providence). Ulrich Zwingli (1484–1531) et Pierre Martyr Vermigli (1499–1562) furent des théologiens majeurs dans l’élaboration de la théologie réformée, représentant différentes tendances au sein du mouvement.

Soutenu par le magistrat Mark Reust et la population de Zurich, le mouvement entraîna d’importantes transformations civiles et politiques à Zurich et dans d’autres cantons. Cependant, sept cantons restèrent catholiques, ce qui conduisit aux guerres de Kappel. Après la victoire catholique en 1531, des politiques de Contre-Réforme furent instaurées. Cette division paralysa la politique intérieure et la politique étrangère commune jusqu’au XVIIIe siècle.

Suite à la Réforme, son influence s’étendit également aux arts, orientant les artistes zurichois principalement vers le portrait jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Au XVIe siècle, des artistes tels que Hans Asper et Samuel Hofmann réalisèrent des portraits dignes des dirigeants de la ville, reflétant les transformations culturelles et politiques de l’époque.

Dans le portrait attribué à Hans Asper représentant Pietro Vermigli vers 1560, on voit ce dernier tenant un livre rouge intitulé « Prédestination et justification ». Son éloquence dans le débat et sa capacité à exposer les doctrines de la Réforme lui valurent la reconnaissance des évêques et des monarques, tout en marquant profondément les esprits des fidèles à travers l’Europe au XVIe siècle. Son engagement et ses idées controversées continuent aujourd’hui encore d’alimenter la recherche et le débat.

Au XVIe siècle, le rouge était porté symboliquement par les papes et les cardinaux pour signifier importance théologique et richesse. Cependant, Martin Luther critiqua cette pratique, qualifiant en 1520 le pape de « prostituée rouge de Babylone » dans ses dénonciations des abus de l’Église catholique. Le rouge symbolisait également le sang du Christ dans le langage symbolique de l’époque. Le pape Innocent IV imposa le port du chapeau rouge aux cardinaux comme symbole de leur foi et de leur martyre.

Le célèbre tableau d’El Greco, Portrait de Fernando Niño de Guevara (vers 1600), illustre son style unique de la Renaissance et sa capacité à capturer le caractère et le statut de ses sujets. L’attention portée aux détails dans les robes rouges du cardinal et sa barrette (biretta) témoigne de sa maîtrise dans la représentation des textures et de la richesse des tissus. L’utilisation du rouge souligne le rang du cardinal et son affiliation à l’Église catholique. Cette œuvre démontre la capacité exceptionnelle d’El Greco à mêler réalisme et style maniériste, en capturant à la fois la ressemblance physique et la profondeur psychologique du sujet.

Lorsque l’artiste suisse Henry Fuseli présenta la première version de Le Cauchemar à Londres en 1781, l’œuvre provoqua un scandale. Fasciné par les frontières entre réalité et imagination, Fuseli peignit plusieurs versions de ce thème. Dans cette œuvre, le teint pâle de la femme contraste fortement avec les rouges, jaunes et ocres plus sombres de l’arrière-plan. Des rideaux de velours rouge tombent derrière le lit, accentuant l’atmosphère dramatique. Fuseli utilise le clair-obscur pour créer de forts contrastes entre lumière et ombre, renforçant le caractère surréaliste et inquiétant de la scène. Son travail explore les zones limites de la conscience, entre réalité et imagination.

Henry Fuseli se considérait comme un peintre d’histoire, puisant ses sujets principalement dans la littérature, notamment chez Milton et Shakespeare. Un exemple notable est son tableau Macbeth (Shakespeare, Macbeth, acte I, scène 3). Fuseli a anticipé des motifs essentiels du romantisme et du mouvement littéraire Sturm und Drang, influençant à la fois le classicisme et le romantisme. Bien que Goethe ne l’ait jamais rencontré, ils avaient des amis communs. Le peintre demeura une énigme pour le poète, oscillant entre fascination et rejet. Goethe admirait la force et l’énergie de Fuseli, tout en étant troublé par le caractère maniéré et exalté de son art, qu’il trouvait néanmoins captivant.

Les représentations des émotions et des passions chez Fuseli étaient souvent mélodramatiques, parfois nostalgiques, toujours intentionnelles, mais jamais retenues. Ces thèmes fascinèrent non seulement les artistes et écrivains de son époque, mais aussi la communauté scientifique, tous explorant les aspects les plus sombres de l’expérience humaine. Son œuvre plonge dans les domaines de l’insondable et de l’étrange. Les critiques contemporains furent choqués par la sexualité explicite de ses peintures, que certains chercheurs interprètent aujourd’hui comme préfigurant les idées de Carl Jung sur l’inconscient.

Le drapeau suisse est principalement rouge ! Il présente une croix blanche sur fond rouge et constitue un symbole mondialement reconnu de la Suisse. Son design, datant du XIVe siècle, représentait à l’origine les soldats suisses. En 1848, avec l’adoption d’une nouvelle constitution et la création de la Confédération moderne, cet emblème devint le drapeau national officiel. Sa forme carrée le distingue des autres drapeaux. Les couleurs rouge et blanc symbolisent la neutralité, l’indépendance et la coexistence pacifique entre les différents cantons suisses. Ce drapeau reflète l’engagement durable du pays en faveur de la démocratie, de la liberté et de la neutralité.

Au XIXe siècle, l’art suisse connut un essor important, notamment grâce aux œuvres d’Albert Anker, peintre de genre majeur. Son travail exprimait des états psychologiques et des ambiances, en accord avec les tendances européennes de son époque. Les peintres paysagistes Rudolf Koller et Robert Zünd, ainsi que les artistes symbolistes Arnold Böcklin et Albert Welti, furent également remarquables. Böcklin, célèbre pour sa série L’Île des morts, inspira de nombreux compositeurs du romantisme tardif.

Le tableau La Peste (1898) d’Arnold Böcklin, conservé au Kunstmuseum de Bâle, illustre son intérêt pour les thèmes de la guerre, de la maladie et de la mort. L’œuvre représente la Mort chevauchant une créature semblable à une chauve-souris à travers une ville médiévale, dominée par des tons verts pâles, noirs et bruns ternes, évoquant la décomposition et le désespoir. Un tissu rouge vif porté par une femme au premier plan symbolise la souffrance humaine face à la mort. Le drame s’intensifie avec la présence d’une figure vêtue de blanc, symbole de pureté, étendue devant l’ombre menaçante de la Mort, soulignant l’avancée inexorable de la mortalité.

In the early 20th century, Expressionist artists like Edvard Munch and Egon Schiele used red to convey intense emotions and psychological states. The bold use of red in Munch's "The Scream" underscores the painting's emotional turmoil.

Henri Matisse's "The Red Studio" (1911) exemplifies his use of red to create a vibrant, cohesive space that immerses the viewer in the artist's creative world. The dominant red color covers almost the entire canvas, creating a flat, expansive surface. The miniature representations of his works within the painting form a meta-narrative—a painting within a painting. "The Red Studio" is a landmark in modernist painting, reflecting Matisse's shift from traditional perspective and modeling towards a more abstract and expressive use of color and form. The overwhelming red can symbolize warmth, passion, or creativity, potentially reflecting Matisse's emotional state or the studio's atmosphere.

During the same period, the October Revolution in Russia saw the red color of the Russian flag symbolize revolution. In the Russian avant-garde, red was used as a social and political expression. Avant-garde artists redefined art's formal means, creating new aesthetics. A notable example is El Lissitzky's 1919 work "Beat the Whites with the Red Wedge," symbolizing societal transition. This artwork galvanizes Bolshevik forces (red) and introduces a new visual language based on abstract geometrical shapes, typography, and color.

Ferdinand Hodler and Giovanni Segantini, key figures in early modern Swiss painting, are celebrated for their outstanding landscapes, moving beyond allegorical symbolism to develop fundamentally new formulations of painting. In the 20th century, the Art Nouveau style of Augusto Giacometti and Félix Vallotton followed.

Dada, an avant-garde art movement of the early 20th century, originated in Switzerland during World War I. It rejected traditional artistic norms, embracing absurdity, spontaneity, and anti-war sentiments. The Dada movement began in Zurich in 1916 at the Cabaret Voltaire, founded by Hugo Ball and Emmy Hennings. This venue became a hub for artists, writers, and performers challenging conventional aesthetics and political ideologies. Hugo Ball is renowned for his sound poetry and performances, while Tristan Tzara, a Romanian poet and performer, emerged as a prominent voice, spreading Dada principles beyond Zurich. Although short-lived, Dada profoundly influenced modern art, paving the way for later avant-garde movements like Surrealism and significantly impacting contemporary art practices.

Mark Rothko's mastery of red, as seen in pieces like "Untitled (Red), 1956," harnesses the profound power of color fields to evoke intense emotional responses. His expansive canvases transcend mere visual appeal, resonating deeply on a spiritual level. Red, known for its ability to stir emotions ranging from warmth and passion to anger and intensity, becomes a conduit for Rothko, tapping into these primal responses.

Alberto Giacometti, the Swiss sculptor and painter, similarly employs red in works such as "The Artist's Mother" (1950) and "Portrait of Jean Genet" (1955) to underscore emotional intensity. Through strategic contrasts of light and shadow, Giacometti imbues his figures with psychological depth, where red plays a crucial role in highlighting dramatic interactions.

Anish Kapoor succinctly captures the essence of red: "It’s the colour of the interior of our bodies. Red is the centre."

Paul Klee believed that "Color is the place where our brain and the universe meet." Klee frequently used red to evoke powerful emotions, whether conveying passion, intensity, or warmth. In iconic works like "Red Balloon" (1922), red dominates, infusing a sense of playfulness and whimsy into the composition. In "Fire in the Evening" (1929), Klee's use of red hues mirrors the warmth and radiance of a sunset, deepening the overall mood and atmosphere of the piece.

BIBLIOGRAPHY

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